Signorelli — Cappella di San Brizio, Duomo d’Orvieto

Texte de Frida De Salve — photographies de B. Balestrini

Les fresques de la chapelle San Brizio, dans le Duomo d’Orvieto, comptent parmi les plus grands chefs-d’œuvre de la Renaissance italienne.

L’œuvre, réalisée entre 1499 et 1504, est due au grand maître Luca Signorelli. Les fresques de la chapelle avaient d’abord été commandées à Fra Angelico en 1447, mais celui-ci se borna à peindre deux seulement des quatre voûtains qui lui avaient été confiés et, qui plus est, y employa deux années entières. Fra Angelico fut ensuite appelé soudainement au Vatican, et les travaux restèrent inexplicablement interrompus jusqu’en 1499, année qui marque le début des travaux de Signorelli. La commande initiale se limitait aux deux voûtains déjà dessinés par Angelico et restés inachevés, mais Signorelli, grâce à sa maîtrise et à sa rapidité d’exécution, laissa les Orviétans, las d’attendre l’achèvement de cette œuvre, admiratifs et stupéfaits, au point qu’ils lui confièrent aussitôt la tâche de peindre à fresque les quatre autres voûtains de la travée d’entrée et les parois de la chapelle. Mais les Orviétans n’étaient pas les seuls à tirer profit de cette commande ; pour Signorelli aussi, en effet, cette œuvre représentait beaucoup. Il traversait alors une période difficile sur le plan artistique, pleine de doutes et d’incertitudes, dus aux diverses influences de la culture de son temps.

Très probablement, donc, il profita de cette occasion pour mettre fin à ses diverses tentatives et chercher une nouvelle manière de s’exprimer. En outre, l’espace à peindre et le thème à traiter constituaient une occasion vraiment unique de se mettre à l’épreuve, de démontrer son talent et de faire connaître les éléments novateurs de son art.

Ses maîtres, Piero della Francesca, Pollaiolo, Masaccio et tant d’autres, par leurs enseignements, firent de lui un précurseur de l’art de la Renaissance.

Signorelli se trouvait à entreprendre cette œuvre à un moment de crise sur le plan social et politique, et il décida d’écarter toute sorte d’élément archaïque, avec lequel il avait travaillé jusqu’alors, préférant se consacrer à son travail avec une peinture capable d’exprimer ses sentiments, ses fortes émotions et, surtout, les idées de son temps.

À ce propos, il convient de mentionner Berenson, qui le définit presque comme un illustrateur qui s’immerge dans son travail avec toute sa culture, ses idéaux et ses sentiments. Signorelli, prenant Dante comme source d’inspiration, il parvient à créer une œuvre extraordinairement monumentale, au moyen d’un récit mélodramatique.

Son œuvre, en effet, a souvent été qualifiée de théâtrale, précisément en raison de son penchant à porter la plus grande attention au moindre détail, comme si la scène devait se transformer en spectacle, et à faire en sorte que, dans la splendide unité chorale de l’œuvre, chaque figure vive de sa vie propre. Sept fresques ont été peintes de main de maître par Signorelli pour représenter l’Apocalypse, considérée de tout temps comme l’un des plus grands drames de l’histoire humaine. Dans ces fresques, Signorelli, grâce à sa grande passion pour l’anatomie et à sa parfaite maîtrise de la perspective, traite la figure humaine en mettant en relief non pas tant son intériorité que sa présence physique et, laissant transparaître ses propres émotions à travers un dessin dur et sculptural, il crée une nouvelle manière de concevoir et de représenter l’art sacré.

Signorelli peint les corps humains de manière réaliste, en mouvement continuel, entassés et enchevêtrés, et c’est surtout grâce à la représentation du nu qu’il parvient à exprimer une nouvelle vision du christianisme, rendue nécessaire par l’exigence de renouveau religieux qui faisait irruption en ces années-là.

Sur toutes les scènes des fresques domine la figure du Christ, représenté en haut, dans la voûte, en juge suprême, pour rappeler à l’humanité qu’à la fin elle se trouvera devant lui pour être jugée. Les hommes seront ainsi damnés ou sauvés selon leur conduite terrestre.

Dans le Christ juge, on reconnaît immédiatement la main de Fra Angelico et de son atelier, avec son style parfait et raffiné et son attention minutieuse au détail.

Il semble essentiel, enfin, d’évoquer le rapport de Signorelli avec Dante. Ce dernier, représenté parmi les auditeurs de l’Antéchrist et sur le soubassement, parmi les poètes et les philosophes, a été une source d’inspiration, tant sur le plan idéologique que sur celui de la représentation formelle. Les démons, en effet, avec leur cruel acharnement sur les damnés, sont ceux-là mêmes que décrit Dante dans la Divine Comédie

Les photographies

L’ANTÉCHRIST. Ce thème, si inhabituel pour l’époque, fut probablement inspiré par un événement survenu à ce moment-là : le bûcher de Savonarole. Signorelli traite avec une grande maîtrise la participation de grandes foules à cet événement, en les représentant par groupes distincts, avec des intervalles spatiaux précis d’une figure à l’autre, pour parvenir enfin à une exceptionnelle unité d’ensemble. Les figures sont grandioses et représentées de manière presque archaïque. Au centre, légèrement sur la droite, domine la figure de l’Antéchrist, représenté sur un piédestal, avec le diable qui lui souffle ses paroles agrippé à ses épaules. Tout autour se presse une foule de toute sorte, au sein de laquelle chaque personnage joue un rôle important : l’archange rebelle qui tombe sous la foudre, la femme, à gauche, qui reçoit d’un juif le prix de son péché, le jeune homme, les mains sur les hanches, qui se tient à côté d’elle. À l’extrême gauche, presque comme des figures à part, deux hommes vêtus de noir, identifiés comme Signorelli lui-même et Fra Angelico, impassibles face aux événements. Le rappel de Dante et de Virgile dans la Divine Comédie semble clair dans ces deux figures. Quant à la figure de l’Antéchrist, on lui a attribué diverses identifications, parmi lesquelles : Savonarole, Alexandre VI, le Mal, Caïn.

LA FIN DU MONDE. Cette scène occupe le grand arc d’entrée de la chapelle. Signorelli résout le problème de l’exiguïté de la surface à peindre en divisant la scène en deux secteurs distincts de part et d’autre de l’arc. La Sibylle, feuilletant un livre de prophéties, annonce le cataclysme imminent, et le prophète Ézéchiel (le personnage représenté avec un turban) en montre les signes avant-coureurs : les astres qui s’obscurcissent, la lune rouge, le soleil gris et noir. En haut à gauche, on voit les diables qui crachent le feu sur l’humanité qui tente en vain de s’enfuir et, plus bas, les femmes bouleversées qui serrent leurs enfants contre leur poitrine pour tenter de les protéger. Les personnages du premier plan sont représentés dans des vêtements moulants et très colorés qui mettent en évidence les formes du corps. Ce détail semble presque une allusion à la vie immorale et corrompue des hommes. Cette peinture extraordinaire, d’une violence manifeste, montre un équilibre presque à la limite entre le monde réel et la mise en scène d’un grand spectacle.

LA RÉSURRECTION DES MORTS (détail). Dans la première grande lunette de droite apparaît la Résurrection des morts, peut-être la plus belle des fresques du cycle. Contrairement à la Fin du monde, violente et tumultueuse, cette fresque est imprégnée d’une atmosphère calme et paisible, où les figures sont rythmées par une scansion spatiale impeccable. De la surface, dépourvue d’éléments figuratifs supplémentaires, émergent péniblement des corps et des squelettes. Signorelli représente des corps vigoureux et jeunes, d’une beauté stupéfiante, qui célèbre le triomphe de la vie sur la mort. La résurrection se fait selon le degré de perfection chrétienne atteint dans la vie terrestre, ce qui apparaît ici avec évidence dans les différences entre les diverses images : certains corps, en effet, paraissent déjà parfaitement formés et représentent les plus vertueux, d’autres sont encore figurés sous forme de squelettes, dans l’attente de la formation définitive de leur corps. Beaucoup de ces figures ont le regard tourné vers le haut, où sont représentés deux grands anges qui, au son des trompettes, sur le fond fantastique du ciel doré, annoncent que le Christ est ressuscité et que commence le « Jour du Seigneur ». Cette scène est le triomphe du nu, parfait du point de vue anatomique et d’une force de représentation jamais vue jusqu’alors. Il semble presque que le Maître conçoive le nu comme le sommet de l’expression picturale.

LES DAMNÉS (détail). Dans cette fresque reviennent le drame et la représentation scénographique. Dans cette scène aussi, où l’unité d’ensemble est parfaitement atteinte, les épisodes particuliers vivent de leur vie propre. Il semble important de souligner que la même femme, représentée dans la scène de l’Antéchrist en train de prendre l’argent de l’usurier, est ici figurée plusieurs fois : sur le dos d’un démon ailé, broyée dans l’étreinte d’un autre, étranglée avec un lacet. Étant la seule femme représentée parmi les damnés, elle incarne la prostituée de l’Apocalypse, la ville corrompue de Babylone, symbole de toutes les prostitutions et de toutes les obscénités du monde. Selon la tradition, Signorelli donna à cette figure les traits d’une femme qui avait repoussé son amour. La fresque représente de façon dramatique le désespoir des damnés, poursuivis et torturés par les démons et figurés comme un amas de chairs, de muscles et de corps déchirés par la douleur.

L’ENFER. Dans cette scène, le rappel des premiers chants de l’Enfer de la Divine Comédie est très manifeste. À l’arrière-plan, on entrevoit des montagnes crachant des flammes et un groupe de « tièdes », ceux qui, de leur vivant, ne se sont rangés ni du côté de Dieu ni de celui de Satan et sont donc destinés à n’entrer ni au Paradis ni en Enfer, qui poursuivent un démon portant une bannière blanche. Au-dessous, Charon s’approche des damnés pour leur faire passer le fleuve Achéron et les emmener vers l’Enfer. En bas à droite, le juge Minos, qui fixe les châtiments des pécheurs en enroulant sa queue autour de son corps. Au-dessus de tous, deux anges assistent impuissants à la scène.

LE PARADIS. Dans la partie supérieure de cette scène, on voit des anges occupés à jouer du luth et de la cornemuse, et d’autres, en bas, qui montrent aux bienheureux le chemin du Paradis, en désignant le Christ juge. Les figures des bienheureux sont disposées selon une représentation ascendante. Certains d’entre eux, en effet, sont agenouillés, d’autres debout, et d’autres encore sont représentés au moment où ils s’élèvent dans les airs.

LES ÉLUS. Toute la scène est imprégnée d’une atmosphère harmonieuse et paisible. Les bienheureux montrent des visages sereins, aux expressions très douces, et de très beaux corps. Sur le fond du ciel doré, qui fait percevoir la présence divine, les anges jouent de la musique pour les élus, les couvrent de pétales de fleurs et posent sur leur tête la « couronne de la vertu » pour les accompagner enfin vers la récompense éternelle promise : le Paradis. Le contraste entre la scène des Damnés et celle des Élus est remarquable, comme pour signifier à l’observateur l’importance du choix d’aimer Dieu sur la Terre pour mériter ensuite la récompense dans l’au-delà.

LA DÉPLORATION DU CHRIST MORT. La fresque, à l’intérieur de la petite chapelle des Corpi Santi, présente un caractère vigoureux mais, certainement, plus paisible que les sept scènes principales.

DANTE. Signorelli décore le soubassement de grotesques, en y peignant les portraits de poètes et de philosophes illustres et des monochromes illustrant leurs œuvres. Parmi eux se détache Dante, surtout en raison des analogies du cycle d’Orvieto avec la Divine Comédie. Le Maître, en effet, illustre ici une série de chants du Purgatoire. Dans la peinture du soubassement, Signorelli se fait décoratif, naturaliste et plein d’imagination, et il aborde les scènes avec un vif contraste d’ombre et de lumière et une grande attention à la ligne, selon les enseignements de Pollaiolo.

Source

Site thais.it de Bruno Balestrini