Signorelli — Cappella di San Brizio, Catedral de Orvieto

Texto de Frida De Salve — fotografías de B. Balestrini

Los frescos de la capilla de San Brizio en la catedral de Orvieto representan una de las mayores obras maestras del Renacimiento italiano.

La obra, realizada entre 1499 y 1504, fue llevada a cabo por el gran maestro Luca Signorelli. Los frescos de la capilla se habían encargado en un principio a Fra Angelico en 1447, pero este se limitó a pintar al fresco solo dos de los cuatro plementos que se le habían confiado y, además, empleó en ello nada menos que dos años. Fra Angelico fue luego llamado repentinamente al Vaticano y los trabajos quedaron inexplicablemente detenidos hasta 1499, año que marca el inicio de los trabajos por parte de Signorelli. El encargo inicial se limitaba a los dos plementos ya diseñados por Angelico y que habían quedado inacabados, pero Signorelli, gracias a su maestría y a su rapidez de ejecución, dejó a los orvietanos, cansados de esperar la conclusión de aquella obra, tan admirados y asombrados que le confiaron de inmediato la tarea de pintar al fresco los otros cuatro plementos del tramo de entrada y las paredes de la capilla. Los orvietanos, sin embargo, no eran los únicos que se beneficiaban de aquel encargo; en efecto, también para Signorelli aquella obra representaba mucho. Él, de hecho, atravesaba un momento difícil en el terreno artístico, lleno de dudas e incertidumbres, causadas por las diversas sugestiones de la cultura de la época.

Muy probablemente, por tanto, aprovechó aquella ocasión para poner fin a sus diversas tentativas y buscar un nuevo modo de expresarse. Además, el espacio que había que pintar al fresco y el tema que había que tratar constituían una ocasión verdaderamente única para ponerse a prueba, demostrar su talento y dar a conocer los elementos innovadores de su arte.

Sus maestros, Piero della Francesca, Pollaiuolo, Masaccio y tantos otros, con sus enseñanzas, lo llevaron a convertirse en un precursor del arte renacentista.

Signorelli se encontraba abordando aquella obra en un momento de crisis en el plano social y político, y decidió ignorar todo tipo de elemento arcaico, con el que había trabajado hasta entonces, prefiriendo dedicarse al trabajo con una pintura capaz de expresar sus sentimientos, sus fuertes emociones y, sobre todo, las ideas de su tiempo.

A este respecto es obligado mencionar a Berenson, que lo definió casi como un ilustrador que se sumerge en su trabajo con toda su cultura, sus ideales y sus sentimientos. Signorelli, tomando como fuente de inspiración a Dante, logra crear una obra extraordinariamente monumental, sirviéndose del relato melodramático.

Su obra, en efecto, ha sido definida a menudo como teatral, precisamente por esa disposición suya a prestar la máxima atención al mínimo detalle, como si la escena tuviera que transformarse en un espectáculo, y a hacer que, en la espléndida unidad coral de la obra, cada figura viviera una vida propia. Siete son los frescos pintados de manera magistral por Signorelli para representar el Apocalipsis, considerado desde siempre uno de los mayores dramas de la historia humana. En estos frescos Signorelli, gracias a su gran pasión por la anatomía y al uso perfecto de la perspectiva, trata la figura humana poniendo de relieve no tanto su interioridad como, más bien, su fisicidad y, dejando traslucir sus propias emociones mediante el uso de un dibujo duro y estatuario, crea un nuevo modo de concebir y de representar el arte sacro.

Signorelli pinta los cuerpos humanos de manera realista, en continuo movimiento, amontonados y entrelazados entre sí, y sobre todo gracias a la representación del desnudo logra plasmar una nueva visión del cristianismo, hecha necesaria por la exigencia de renovación en el terreno religioso que irrumpía en aquellos años.

Sobre todas las escenas de los frescos domina la figura de Cristo, representado en lo alto de la bóveda en calidad de juez absoluto, para recordar a la humanidad que al final se encontrará ante él para ser juzgada. Los hombres serán así condenados o salvados según su comportamiento terrenal.

En el Cristo juez se reconoce inmediatamente la mano de Fra Angelico y de su taller, con su estilo perfecto y refinado y la minuciosa atención al detalle.

Parece esencial, por último, aludir a la relación de Signorelli con Dante. Este último, retratado entre los oyentes del Anticristo y en el zócalo, entre poetas y filósofos, fue un inspirador, tanto en el plano ideológico como en el de la representación formal. Los demonios, de hecho, con su cruel ensañamiento con los condenados, son los mismos descritos por Dante en la Divina Comedia

Las fotografías

EL ANTICRISTO. Este tema, tan insólito para aquella época, fue probablemente dictado por un acontecimiento sucedido en ese período: la hoguera de Savonarola. Signorelli resuelve con gran maestría la participación de grandes masas en aquel acontecimiento, representándolas por grupos distintos, con precisas cadencias espaciales entre una figura y otra, y llegando, finalmente, a una excepcional unidad de conjunto. Las figuras son grandiosas y están representadas de un modo casi arcaico. En el centro, ligeramente a la derecha, domina la figura del Anticristo, representado sobre un pedestal y con el diablo inspirador aferrado a su espalda. Todo alrededor, una apretada multitud de toda clase, dentro de la cual todos los personajes asumen un papel importante: el arcángel rebelde que cae bajo los rayos, la mujer, a la izquierda, que recibe de un judío la paga de su pecado, el joven con las manos en las caderas que está a su lado. En el extremo izquierdo, casi como figuras aparte, dos hombres vestidos de negro, identificados con el propio Signorelli y con Fra Angelico, impasibles ante los acontecimientos. Parece clara en estas dos figuras la alusión a Dante y Virgilio en la Divina Comedia. En cuanto a la figura del Anticristo, en cambio, han sido diversas las identificaciones que se le han atribuido, entre ellas: Savonarola, Alejandro VI, el Mal, Caín.

EL FIN DEL MUNDO. Esta escena ocupa el gran arco de entrada de la capilla. Signorelli resuelve la exigüidad de la superficie que había que pintar dividiendo la escena en dos sectores distintos a los lados del arco. La Sibila, hojeando un libro de profecías, anuncia el inminente cataclismo y el profeta Ezequiel (el personaje representado con turbante) indica las señales premonitorias: los astros que se oscurecen, la luna roja, el sol gris y negro. Arriba a la izquierda se ven los diablos que escupen fuego sobre la humanidad, que intenta en vano huir, y, más abajo, las mujeres trastornadas que estrechan contra el pecho a sus hijos intentando protegerlos. Los personajes en primer plano están representados con ropas ceñidas y coloridísimas que ponen de relieve las formas del cuerpo. Este hecho parece casi una alusión a la vida inmoral y corrupta de los hombres. Esta pintura fantástica, de evidente violencia, muestra un equilibrio casi al límite entre el mundo real y la escenografía de un gran espectáculo.

LA RESURRECCIÓN DE LOS MUERTOS (detalle). En la primera gran luneta de la derecha aparece la Resurrección de los muertos, quizá el más hermoso de los frescos del ciclo. Al contrario que el Fin del mundo, violento y tempestuoso, este fresco está impregnado de una atmósfera tranquila y sosegada, donde las figuras están ritmadas por una escansión espacial impecable. De la superficie, desprovista de elementos figurativos añadidos, emergen a duras penas cuerpos y esqueletos. Signorelli representa cuerpos vigorosos y jóvenes, de una belleza asombrosa, que celebra el triunfo de la vida sobre la muerte. La resurrección se produce según el grado de perfección cristiana alcanzado en la vida terrena, y aquí resulta evidente en las diferencias entre las distintas imágenes: algunos cuerpos, en efecto, aparecen ya perfectamente formados y representan a los más virtuosos; otros están representados todavía en forma de esqueletos, a la espera de la formación definitiva de su cuerpo. Muchas de estas figuras tienen la mirada vuelta hacia lo alto, donde están representados dos grandes ángeles que, al son de las trompetas, sobre el fondo fantástico del cielo dorado, anuncian que Cristo ha resucitado y que da comienzo el «Día del Señor». Esta escena es el triunfo del desnudo, perfecto desde el punto de vista anatómico y con una fuerza representativa nunca vista hasta entonces. Parece casi que el Maestro concibe el desnudo como la cumbre de la expresión pictórica.

LOS CONDENADOS (detalle). En este fresco vuelven el drama y la representación escenográfica. También en esta escena, donde se alcanza perfectamente la unidad de conjunto, los episodios individuales viven una vida propia. Parece importante subrayar cómo la misma mujer, representada en la escena del Anticristo mientras toma el dinero del usurero, aparece aquí varias veces: a lomos de un demonio alado, triturada por la tenaza de otro, estrangulada con un lazo. Al ser la única mujer retratada entre los condenados, representa el símbolo de la ramera del Apocalipsis, la ciudad corrupta de Babilonia, símbolo de todas las prostituciones y obscenidades del mundo. Según la tradición, Signorelli representó esta figura con los rasgos de una mujer que rechazó su amor. El fresco representa de modo dramático la desesperación de los condenados, perseguidos y torturados por los demonios y representados como un amasijo de carnes, músculos y cuerpos desgarrados por el dolor.

EL INFIERNO. En esta escena es evidentísima la alusión a los primeros cantos del Infierno de la Divina Comedia. Al fondo se entrevén montes que vomitan llamas y un grupo de «indolentes», aquellos que en vida no se pusieron ni de parte de Dios ni de la de Satanás, destinados, por tanto, a no entrar en el Paraíso pero tampoco en el Infierno, que persiguen a un demonio con la bandera blanca. Debajo, Caronte, que se acerca a los condenados para pasarlos a la otra orilla del río Aqueronte y transportarlos hacia el Infierno. Abajo a la derecha, el juez Minos, que establece los castigos de los pecadores enroscando la cola alrededor de su cuerpo. Por encima de todos, dos ángeles que asisten impotentes a la escena.

EL PARAÍSO. En la parte superior de esta escena se ven ángeles que tocan laúdes y gaitas, y otros, abajo, que muestran a los bienaventurados el camino del Paraíso, señalando a Cristo juez. Las figuras de los bienaventurados están plasmadas mediante una representación ascendente. Algunos de ellos, de hecho, están arrodillados, otros de pie y otros más están representados mientras se elevan en vuelo.

LOS ELEGIDOS. Toda la escena está impregnada de una atmósfera armoniosa y sosegada. Los bienaventurados muestran rostros serenos, con expresiones dulcísimas y cuerpos bellísimos. Sobre el fondo del cielo dorado, que hace percibir la presencia divina, los ángeles tocan para los elegidos, los cubren de pétalos de flores y posan sobre sus cabezas la «corona de la virtud» para acompañarlos, finalmente, hacia el premio eterno prometido: el Paraíso. Notable es el contraste entre la escena de los Condenados y la de los Elegidos, como para indicar al observador la importancia de elegir amar a Dios en la Tierra para merecer luego la recompensa en el más allá.

EL LLANTO SOBRE CRISTO MUERTO. El fresco, en el interior de la pequeña capilla de los Corpi Santi, presenta un carácter vigoroso pero, ciertamente, más sosegado que las siete escenas principales.

DANTE. Signorelli decora con grutescos el zócalo, pintando los retratos de poetas y filósofos ilustres y monocromos que ilustran sus obras. Entre estos destaca Dante, sobre todo por las analogías del ciclo de Orvieto con la Divina Comedia. El Maestro, en efecto, ilustra aquí una serie de cantos del Purgatorio. En la pintura del zócalo Signorelli se vuelve decorativo, naturalista y fantasioso, y aborda las escenas con el duro contraste entre luz y sombra y con gran atención a la línea, según las enseñanzas de Pollaiuolo.

Fuente

Sitio thais.it de Bruno Balestrini